On pourrait croire qu’il faut choisir son camp : carnet ou feuilles libres, support relié ou papier indépendant, objet durable ou brouillon de l’instant.
Je crois plutôt qu’ils sont complémentaires.

• Carnet et feuille volante ne racontent pas le même moment du dessin.
• Ils n’ouvrent pas le même espace.
• Ils ne provoquent pas exactement le même geste.

Le carnet garde la mémoire du trait.
La feuille accueille l’instant du geste.

L’un inscrit la pratique dans une durée. L’autre permet de ne pas perdre l’élan.
Et entre les deux, il y a le dessin : une mémoire gestuelle du corps en mouvement.

Le carnet : mémoire et répertoire du trait

Un carnet, ce n’est pas seulement un ensemble de pages reliées. C’est un lieu de mémoire autant qu’un répertoire.

Il garde les traces, les essais, les hésitations, les reprises. Il permet des aller-retours, de retrouver une forme oubliée, un rythme de ligne, une manière de poser une ombre, une composition qui peut être reprise plus tard.
Dans un carnet, les dessins ne sont pas seulement conservés. Ils deviennent consultables. Ils se répondent d’une page à l’autre.
Une recherche commencée un jour peut réapparaître plusieurs semaines plus tard sous une autre forme.

Le carnet est une réserve active.
Je ne le considère pas comme un musée personnel. Il n’est ni figé, ni une collection de pages « réussies ».

Page après page, quelque chose s’accumule : une façon de regarder, une manière de tenir le crayon, une vitesse, une pression, une respiration.
Le carnet garde ce que l’on oublie parfois soi-même.
Ainsi, il permet de revoir ce qui évolue, il montre les chemins de traverse, les gestes qui reviennent, les formes qui persistent.
De plus, il rend visible une progression qui ne se perçoit pas toujours au moment où l’on dessine. C’est l’une de ses forces : donner une continuité.

Dans un carnet, le dessin n’est pas seulement une image isolée. Il devient une suite. Une traversée. Une petite archive personnelle du regard et de la main.

On peut y noter une observation, coller un fragment, reprendre une idée, laisser une page inachevée, revenir en arrière, comparer, retrouver une recherche oubliée.

Le carnet relie les traces entre elles.

Le carnet a cette qualité qui peut aussi devenir un frein : parce qu’un carnet garde tout, il peut impressionner.
Ses pages reliées peuvent donner envie de « bien faire ». Sa belle couverture, son papier agréable, son format choisi peuvent en faire un objet trop précieux.

• On hésite alors à commencer.
• On veut préserver la première page.
• On craint de gâcher.
• On imagine déjà l’ensemble avant même d’avoir posé le premier trait.

Le carnet peut donner envie de construire une belle mémoire. Mais le dessin n’a pas toujours besoin d’être beau pour être juste. Il a parfois besoin d’être maladroit, rapide, bancal ou incomplet.

Un carnet trop sacralisé peut enfermer le geste.

Alors, peut-être faut-il rappeler ceci : un carnet de dessin n’est pas un livre déjà terminé. C’est un lieu de recherche. Il a le droit d’être irrégulier. Il a le droit de contenir des pages esquissées, des traits imparfaits, des essais qui n’aboutissent pas. C’est même souvent dans ces moments qu’il devient le plus singulier.

La feuille volante : support immédiat de l’instant

La feuille volante n’a pas toujours d’avant ni d’après. Elle ne demande pas forcément une suite et ne porte pas le poids d’un ensemble à préserver.

Elle est là, disponible et immédiate.

On la prend parce qu’un geste arrive, parce qu’une idée passe, parce qu’une forme demande à être tentée sur le moment. C’est un support immédiat. La feuille volante permet de ne pas perdre l’élan. Elle accueille ce qui surgit avant que l’on ait eu le temps de trop réfléchir.

Une feuille volante ne demande pas d’être à la hauteur d’un carnet.
Elle dit simplement : vas-y, pose le trait.
C’est sa grande force : elle dédramatise le dessin.

Sur une feuille libre, on peut essayer sans trop se regarder faire. On peut tester, recommencer, tourner le papier, changer de format, dessiner au sol, travailler en grand, poser plusieurs essais côte à côte, couvrir tout un espace ou simplement les entasser.

La feuille volante matérialise l’instant.

Parce qu’elle est un terrain de jeu libre, elle supporte les gestes rapides, les grandes masses, les expérimentations salissantes, les traits jetés, les formes qui cherchent encore leur place. Elle n’impose pas une continuité, elle ouvre un espace.

La feuille volante est souvent le support du surgissement :

• Une idée passe.
• Une observation appelle une trace.
• Une forme apparaît sans prévenir.
• Un geste demande à sortir.

Elle ne garde pas toujours la mémoire longue, mais elle garde l’intensité brève.

Pour les exercices, la feuille volante est souvent le support idéal car elle permet de répéter un trait, de tester une texture, de chercher une composition, de dessiner vite, d’hésiter, de dessiner grand, de dessiner sans regarder.

Elle donne de l’air au geste. Cependant, elle a aussi ses limites.

Une feuille détachée se perd, se froisse, se glisse dans une pile, disparaît entre deux dossiers. Sans système de rangement, les papiers libres deviennent vite un amas flou. Et puis, parce qu’ils semblent moins précieux, on peut les jeter trop vite.

Or un dessin que l’on pense avoir raté n’est pas toujours inutile. Une page qui contient un dessin maladroit peut renfermer une trouvaille minuscule : une ligne, une tension, un rythme, une combinaison de traits, une composition inattendue. Quelque chose qui mériterait d’être revu plus tard.

La feuille volante donne de la liberté, mais elle demande parfois un peu d’attention pour ne pas devenir pure dispersion.

Le dessin : une mémoire gestuelle

Le dessin n’est pas seulement une image posée sur un support, c’est la trace d’un corps en mouvement.

Avant même de devenir forme, le trait vient d’un geste : une main qui avance, un poignet qui pivote, un bras qui s’ouvre, un corps qui se penche, une respiration qui accompagne ou retient le mouvement.

Chaque dessin garde quelque chose de cette présence :

• Une pression plus forte.
• Une ligne tremblée.
• Une vitesse.
• Une hésitation.
• Une reprise.
• Une amplitude.

Le dessin est une mémoire gestuelle parce qu’il garde la trace de ce que le corps a fait, même lorsqu’il semble représenter autre chose. Il conserve un mouvement, une énergie, un rythme, parfois même une retenue. C’est pour cela que le choix du support compte.

Carnet, feuille volante, petit format, grande page, table, mur ou sol ne provoquent pas le même engagement du corps. Ils ne permettent pas le même trait.

Un carnet tenu près de soi invite souvent à un geste plus resserré, plus intime, plus régulier.
Une grande feuille posée devant soi amène à ouvrir le bras, à déplacer le poids du corps, à engager davantage l’épaule, le dos, la respiration.
Une feuille libre peut recevoir un geste rapide.
Un carnet peut accueillir une reprise lente.

Le support influence le geste.
Le geste influence la trace.
La trace devient mémoire.

C’est peut-être pour cela que j’aime autant observer les supports de dessin. Ils ne sont jamais neutres. Ils conditionnent notre manière de commencer, d’oser, de reprendre, de garder, de laisser passer.

Mémoire et instantané : deux besoins du dessin

Carnet et feuille volante ne s’opposent donc pas. Ils répondent à deux besoins différents.

Selon les jours, selon l’énergie, selon l’intention, l’un ou l’autre sera plus juste.

Il y a des moments où l’on a besoin de continuité, de retrouver un rendez-vous avec soi-même. Ouvrir un carnet et voir que l’on avance, même lentement. Dans ces moments-là, le carnet soutient la pratique. Il donne un cadre, une mémoire, une présence.
Et puis il y a des moments où l’on a besoin de sortir du cadre, de ne pas penser à la page précédente ni à la suivante, de faire un essai sans conséquence, de poser un geste, simplement. Dans ces moments-là, la feuille volante libère.

Le dessin circule entre ces différents supports. Il n’est pas toujours dans la construction. Il n’est pas toujours dans l’instant.

• Il peut être mémoire un jour, jaillissement le lendemain.
• Il peut s’inscrire dans un carnet, puis déborder sur la table.
• Il peut commencer sur une feuille libre, puis rejoindre plus tard une pochette, un mur, une série, un carnet, une réflexion.

Rien n’oblige à choisir définitivement.

Trouver son propre usage

Ce qui compte, ce n’est pas de savoir quel support est le meilleur, c’est d’observer ce que chaque support provoque en nous.

• Est-ce que le carnet me donne envie de revenir ? Ou est-ce qu’il me crispe ?
• Est-ce que la feuille volante me libère ? Ou est-ce qu’elle me disperse ?
• Est-ce que j’ai besoin de garder une trace ? Ou simplement de poser un geste maintenant ?

Ces questions sont plus intéressantes que le choix du bon matériel.

On peut très bien avoir un carnet pour garder le fil et des feuilles libres pour les essais. Un carnet de recherches et une pile de papiers pour les gestes rapides. Un carnet précieux et un carnet d’esquisses. Une chemise pour ranger les feuilles volantes. Une enveloppe pour les fragments. Un mur pour afficher temporairement ce qui cherche encore sa place…

On peut coller des feuilles dans un carnet. On peut arracher des pages. On peut dater ses feuilles. On peut ne rien dater du tout.
On peut accepter que certaines traces restent et que d’autres disparaissent. Il n’y a pas une seule bonne manière de faire. Il y a une pratique à construire, avec ses besoins, ses résistances, ses élans.

Écrire pour soi, dessiner vers les autres

J’écris souvent depuis ma propre pratique. Depuis mes gestes, mes supports, mes hésitations, mes manières de regarder.

J’écris pour moi, c’est indéniable. J’écris aussi vers les autres.
Peut-être que le dessin fonctionne de la même manière…
On dessine d’abord depuis soi. Depuis ce que l’on voit, ce que l’on sent, ce que l’on cherche. Un trait qui tremble, une main qui insiste, un regard qui s’attarde. Puis, parfois, ce geste rejoint quelqu’un.

Un carnet peut garder cette mémoire. Une feuille peut capter cet instant. Les deux se complètent.
Car le dessin n’a pas toujours besoin d’un grand discours pour commencer. Parfois, il suffit seulement d’un support disponible, d’un crayon que l’on prend, d’un geste que l’on s’autorise.

Le carnet garde la mémoire du trait et la feuille volante accueille l’instant du geste.
Entre les deux, il y a tout un espace pour chercher, recommencer, observer, laisser venir le geste, laisser une trace.
Et peut-être que c’est là, justement, que le dessin commence.

Pour prolonger

Cette réflexion peut entrer en dialogue avec plusieurs textes autour de la main, du geste, de la ligne et du regard.

• Henri Focillon, dans Éloge de la main, rappelle que la main n’est pas un simple outil d’exécution : elle explore, éprouve, pense avec la matière.
• John Berger, dans ses textes sur le dessin, montre combien dessiner est une manière de regarder, de questionner et de rester en relation avec ce qui est devant soi.
• Tim Ingold, dans Une brève histoire des lignes, invite à penser les lignes comme des traces, des parcours, des gestes qui relient notre manière de marcher, d’écrire, de dessiner et d’habiter le monde.

Trois approches différentes, mais un même fil : le dessin comme geste, trace, regard et relation au monde.

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L’ennui peut pointer son nez et il ne faut pas en avoir peur !

Qui n’a pas entendu son enfant ou un proche dire : « je m’ennuie ! » ou « je ne sais pas quoi faire ! », et le voir se poser quelques minutes puis se mettre en action et créer quelque chose ?
Savoir s’ennuyer n’est pas un concept facile à intégrer dans une société où tout va de plus en plus vite, et dans laquelle «ne rien faire» est souvent synonyme de contre-productivité voire de fainéantise !
D’autant plus dans la période que nous traversons.

S’ennuyer permet à l’esprit de vagabonder.

En 2016, le Journal of Experimental Social Psychology a publié un ode à l’ennui qui explique que les personnes qui savent l’accueillir « sont plus à même de développer des pensées originales »

Dans notre 21e siècle à peine entamé, s’ennuyer est presque un gros mot ! Notre cerveau, sollicité en permanence par un monde ultra connecté, est toujours occupé : mails, appels téléphoniques, SMS, applications sur Smartphones, publicités surgissantes, publicités urbaine ou encore activités professionnelles, famille, activités sportives, culturelles… Nous évoluons dans une société qui prône l’activité continue et la performance.
Ce qui a carrément mis à jour l’ociofobia ou « phobie du temps libre » : la peur de ne pas avoir quelques chose à faire (notion inventée par Rafael Santandreu, psychologue espagnol).

L’ennui ne devrait pas être compris comme de l’oisiveté ou de la paresse. C’est un espace de non-faire qui, au premier abord, peut sembler désagréable. C’est pour cette raison qu’il est essentiel de l’apprivoiser.

«Pour générer les meilleures idées, il faut savoir faire une pause : chacun peut développer son potentiel créatif et apprendre à innover. La créativité est un état d’esprit. Il faut être capable d’être confronté à l’oisiveté sans angoisser et laisser son esprit vagabonder. S’autoriser à s’ennuyer c’est s’autoriser à imaginer et créer.»

Chris Lewis dans Too fast to think / Éditeur : Kogan Page (28/10/ 2016)

Laisser divaguer son esprit ouvre à l’imaginaire.

Accueillir le non-faire ou la rêverie permet au cerveau de décrocher, de faire une pause. Les idées traversent les pensées et nous amènent à créer. Il en est de même avec une activité ennuyeuse, une tâche répétitive ou basique.

Une étude de Sandi Mann et Rebekah Cadman, chercheuses britaniques en psychologie (Université du Central Lancashire), ont confirmé l’hypothèse que l’ennui est propice à la créativité.
Elles ont mis en évidence que les tâches répétitives et/ou rébarbatives d’un ennui profond étaient vecteurs de créativité et de productivité sur des sujets donnés à la suite de l’expérience. L’ennui provoqué par l’exécution de ces tâches amène l’esprit à divaguer et à se poser sur une idée qui se développe avec plus de rapidité et d’intensité. Ce qui propulse la créativité et la mise en action de créer.

Accueillir le désœuvrement au cœur de son quotidien implique d’accepter un certain nombre de renoncements : renoncer à l’agitation inutile destinée à marquer la fuite du temps, renoncer à la dramatisation de nos émotions, renoncer à vivre collé à la lucarne de la télé et, enfin, renoncer à avoir raison envers et contre tous, et surtout contre la vie.

Petit éloge de l’ennui / Odile Chabrillac ©Édition numérique Jouvence, 2013

Quelques exemples pour s’autoriser à s’ennuyer :

• Le coloriage, activité simple qui ne demande pas trop de réflexion et qui détend l’esprit. A pratiquer sans jugement de valeur !
• Ne penser à rien, se poser et se détendre sans rien avoir à faire. Rêvasser, laisser divaguer ses idées, même celles considérées comme bêtes ou inutiles, et ne pas chercher à juger de l’importance de chacune.
• Le dessin automatique, tracer sans intention.
• Faire des choses ennuyeuses, comme plier des chaussettes…
• Recopier des listes de chiffres, ou de mots… c’est très ennuyeux, mais terriblement efficace !

La liste est sans fin, il ne tient qu’à vous de trouver votre vecteur d’ennui…

Trop d’ennui peut nuire à la santé

Cependant, trop d’ennui peut nuire à la santé et peut amener à l’erreur, être vecteur de stress, voire pousser à la démission… Pour en compenser les effets, les personnes qui s’ennuient trop longtemps peuvent tomber dans le piège de l’oisiveté ou dans des dérives de comportements compulsifs qui peuvent s’avérer très néfastes !

Comme pour toute chose, la bonne dose d’ennui est un propulseur de créativité, mais il est à consommer avec modération !

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La situation actuelle est inédite et nous devons tous nous y adapter. Il n’est pas commun de devoir rester chez nous sans sortir. Il n’est pas simple de se retrouver en vase clos, de maintenir une activité professionnelle quand c’est possible, de gérer la famille et les enfants, avec chacun nos programmes…
Cela demande organisation et inventivité afin que les journées se déroulent dans la plus grande sérénité. Je vous fais confiance quant à votre créativité !

Les activités artistiques sont un bon moyen de s’évader.

Nul besoin d’être équipé de matériel haut de gamme pour cela. Quelques crayons ou stylos (nous avons tous cela dans nos tiroirs), du papier (carnet, feuilles, copies doubles…), de la colle, des ciseaux, les tubes de gouache de vos ados, quelques feutres suffisent pour se lancer, chacun à sa façon, avec son trait et sa personnalité. Et si vous ne trouvez rien de cela, pas de panique, vous avez autour de vous des tas d’objets et matériaux du quotidien qui peuvent vous servir d’outils, comme des fourchettes, des morceaux de tissus, du fil, du papier essuie-tout, du marc de café, des rouleaux de papier toilette vides… Tout est à portée de main pour créer !

Nous sommes tous créatifs !

Pas de jugement de valeur, pas de comparaison !

Inventez vos outils !

Voici quelques idées :

• Expression plastique : Vous pouvez laisser aller votre esprit et laisser vos mains vous guider sur le papier, sans but précis, sans se donner de sujet.
  Tracez des traits, des points, des taches. Et surtout pas de gomme ! Tout trait tracé a son histoire et même s’il n’est pas tout à fait là où vous l’aviez imaginé, il existe : qu’en faire, comment l’intégrer ou le fondre dans votre production ? N’hésitez pas à expérimenter des façons de faire… il n’y a pas d’erreur possible dans ce genre de pratique !
  Ce qui est produit peut devenir matière à composer autre chose par collage, recadrage, découpage… Cette méthode est accessible à tous !
• Dessin : Vous pouvez dessiner ce que vous avez sous les yeux. Des objets, vos proches, vos animaux de compagnie, votre espace, ce que vous voyez par vos fenêtres… L’exercice peut se faire par du croquis rapide ou plus poussé si vous le souhaitez. Du champs large au détail, le même sujet peut se traiter à l’infini ! En couleur ou noir et blanc, pas de limite à la créativité. Le but n’est pas de reproduire à l’identique, mais simplement de s’inspirer de la forme, des couleurs, de la matière, de la lumière, de la structure… Posez le dessin sans complexe, chacun à votre façon.
• Journal : Dans l’esprit d’un carnet de voyage, vous pouvez vous évader en famille autour d’un journal conçu en commun. L’occasion de partager vos idées, de créer à plusieurs mains et de conserver une trace de ces moments étonnants. Collage, coloriage, dessin, textes…
  Parfait pour ouvrir le champs des possibles et développer la créativité des grands et des petits par un échappatoire collectif et totalement imaginaire !

Restez créatifs, nous le sommes tous : il suffit juste d’oser !

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J’ai découvert le jeûne il y a de cela 4 ans. C’est à la fois peu et suffisant pour faire un résumé de ce que cela m’a apporté.
Je le pratique depuis, de façon régulière, sur un rythme de 2 jours consécutifs par semaine, en moyenne. C’est devenu pour moi un mode de vie, sans pour autant me priver des plaisirs de la société ou de faire de moi une adepte des pratiques alternatives qui peuvent parfois s’avérer déviantes !
Chacun est libre de se faire son propre avis sur ce sujet.

Mon intention n’est pas de faire l’apologie de cette pratique mais simplement de témoigner de mon expérience personnelle et des effets que j’ai pu constater sur l’ouverture à la créativité.

Qu’est-ce que jeûner ?

Tout d’abord, voici une définition du jeûne (issue du dictionnaire Larousse).
– Jeûne : (nom masculin) Arrêt total de l’alimentation, avec ou sans maintien de la consommation d’eau.
– Jeûner : (verbe intransitif) S’abstenir de manger, pratiquer le jeûne ou la diète.

Le jeûne est une pratique ancestrale dans la plupart des civilisations depuis la nuit des temps.
On jeûne pour des raison religieuses ou spirituelles ou simplement par souci de bien-être et/ou de santé,
ou simplement par choix de vie.
Quelques études scientifiques
et de nombreux ouvrages
donnent des informations sur ce sujet.

Dans l’introduction d’un rapport de l’INSERM (daté du 10/01/2014), on peut lire :
« En France, contrairement à d’autres pays d’Europe, le jeûne à visée préventive ou thérapeutique n’est pas à ce jour proposé dans un cadre médicalisé. Jeûner induit des modifications métaboliques qui pourraient être utilisées à bon escient dans diverses situations pathologiques. Cependant, aucune donnée clinique reposant sur des essais méthodologiques rigoureux ne peut étayer aujourd’hui le bien-fondé de cette piste, qui reste donc pour l’instant essentiellement théorique. »

Seul ou en groupe, hydrique (seulement de l’eau) ou cure « Buchinger » (bouillons, jus de fruits et infusions), chez soi ou dans des structures qui proposent des programmes avec randonnée, yoga, soins… jeûner peut se faire de façon intermittente, alternée ou prolongée sur des durées différentes, variant de quelques jours à plusieurs semaines.
Au delà de 40 jours, jeûner peut devenir dangereux pour l’organisme. C’est pour cela qu’il est important de bien se préparer et s’informer auprès de professionnels qui le proposent avant de s’engager dans une cure !

Processus du jeûne et processus créatif

Le jeûne a un effet sur le métabolisme. Après 36 à 48 heures à jeun, la « crise d’acidose » (moment ou le fonctionnement du corps bascule en cétose) et son cortège d’effets plus ou moins confortables passés, la vitalité revient et une impression de lucidité s’installe.
En effet de par l’inactivité digestive, le corps utilise l’énergie de façon différente.
L’énergie est répartie à la production de « sucres » par le foie, et au maintien des fonctions vitales de l’ensemble du corps et notamment celles du cerveau. Les idées semblent plus claires et la vitalité plus intense.

Par mon expérience personnelle, sur chaque période de jeûne prolongé (entre 5 et 10 jours), j’ai pu constater une disposition à la réflexion et une ouverture à la créativité.

+ d’idées
+ d’envie de créer
+ d’envie de construire
Une facilité à la réflexion et à la prise de décision !

J’ai pu constater une libération des idées et des pensées qui ouvre à un processus créatif plus direct.

La légèreté du corps et « l’oubli » de se nourrir rythment les journées sur un tempo différent du quotidien, permettant un lâcher prise propice à créer et un gain de temps qui augmente la capacité à faire.

temps + clarté = créativité
lâcher prise + autorisation = créativité
prise de recul + réflexion = créativité

Cette inspiration peut se traduire de façons très différentes. Il ne s’agit pas uniquement de devenir artiste ou créateur fou, mais simplement de s’autoriser la liberté de mettre en action ses idées, de les organiser et de les prioriser.

En finalité, le jeûne, au delà de l’effet bénéfique sur ma santé morale et physique, m’a permis de faire des choix précieux à mon développement professionnel. Cela m’a permis, entre autre, de mettre à jour mon projet, de transmettre mes connaissances dans le domaine de l’expression plastique et de mettre à profit tout mon parcours acquis autant dans mes études que dans mes expériences professionnelles diverses.
Ces moments de détachement du quotidien, de dépassement et d’écoute de soi m’ont permis d’oser construire et développer un projet auquel je pensais depuis des années sans m’autoriser à le tenter !
C’est en cela que le jeûne est un catalyseur de créativité !

Depuis la création de Points Traits Tâches,
j’interviens régulièrement dans le centre Les Crocodiles Jaunes. J’accompagne les stagiaires sur les chemins pour les randonnées et propose un atelier d’expression plastique d’une heure et demi par semaine qui ouvre les champs de la créativité aux participants.

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Un croquis ? Mais c’est dépassé de dessiner à main levée !
C’est peut-être ce que vous pensez. Pourtant, être capable de mettre en volume vos idées en 3 coups de crayon peut se révéler être un vrai plus face à vos clients.
Les 3 points ci-dessous vous aiderons à mieux comprendre les avantages du croquis à main levée.

#1- La compréhension des volumes

Loin d’être désuet, un croquis perspectif est un véritable moyen technique, au même titre qu’un plan, pour expliquer votre projet à votre client. Retranscrire une idée, un plan, un concept en 3D par la perspective à main levée révèle la compréhension de l’espace. C’est un moyen rapide de poser les volumes. La combinaison d’une perspective rapide et d’un plan rend possible une projection immédiate, sans recours à un logiciel complexe, et sans utiliser les texturisations qui figent l’image présentée.
Le travail au trait ou en simples ombrages donne rapidement une idée de ce que seront le volume et l’espace. C’est un moyen rapide et efficace d’asseoir un projet.
Un croquis perspectif se doit de rester sommaire, de placer les grandes lignes, pour laisser la latitude aux éventuelles modifications dans la conception.

En 3 coups de crayons le volume apparaît et offre une lecture visuelle efficace, en complément de plans ou autres éléments techniques.

#2- La mise en espace instantanée : dessin et dialogue

Le dessin perspectif réalisé en direct (face à votre client) est un vrai plus à votre travail. Il efface la distance technique qui peut se révéler encombrante.
Être capable de retranscrire votre vision du projet crée un lien visuel qui ouvre le dialogue et les échanges. La mise en perspective, au delà de l’effet graphique lié à votre style de dessin, permet de mieux appréhender les volumes (largeur, profondeur, hauteur) et les proportions, par une lecture en trois dimensions.
Il est parfois compliqué pour certaines personnes de s’imaginer les volumes en lisant un plan. Faire un croquis explicatif en perspective au moment de l’échange avec votre client est une astuce facile qui ouvre à l’échange et crée une interaction immédiate, qui permet de bien se comprendre et de mieux construire le projet.

Un dessin perspectif au même titre qu’une photo devient une image permettant la projection dans l’espace de votre client. Vous échangez avec un moyen de lecture abordable et efficace du projet.

#3- La magie du trait

Un dessin perspectif à main levée crée une interaction avec simplicité.
L’effet magique du dessin qui apparaît trait par trait sous les yeux du client, offre une immersion rapide dans les volumes par le tracé des bases d’un projet sous tous ses angles, sans artifices.
Cette méthode peut être utilisée dans tous les types de projet, qu’il s’agisse d’une globalité de bâtiment, d’un intérieur, d’une réhabilitation, d’une construction neuve ou d’un agencement d’espace. Par exemple : s’appuyer sur une photo et travailler au calque pour mettre en évidence les contours d’un projet peut vous aider avec peu de moyens à projeter votre client dans son nouvel espace.

La magie du dessin à main levée séduit et valorise votre proposition.

#4- Pour conclure

• N’hésitez pas à proposer des dessins à main levée à vos clients, dès les premières esquisses afin d’entrer rapidement en dialogue.
• Le dessin par son coté charmeur offre une réelle plus-value à votre travail sans trop de difficultés et en restant sur des modes représentatifs rapides et simples.
• La maîtrise du dessin perspectif fait simplement appel à quelques règles de géométrie. Rien d’impossible ni d’inaccessible. Quelques exercices pratiques rapides et simples vous aideront à prendre de l’aisance graphiquement et à maîtriser votre trait. Pour cela rien de plus simple : du papier, un crayon, un peu d’envie et hop, vous plongez dans la 3D en temps réel à main levée.
• Nous savons tous dessiner, il suffit juste d’oser !

Apprivoiser les ficelles du dessin perspectif est une réelle valeur ajoutée à votre travail, qui vous différencie de vos concurrents.

L’article Pourquoi le croquis de perspective à main levée est-il une vraie valeur ajoutée à votre projet ? est apparu en premier sur Points Traits Tâches.

Cette conférence de Jean Lancri, enregistrée le 20 janvier 2016 à l’université de Bordeaux-Montaigne, porte sur quelques représentations du baiser : en peinture (de Giotto à Renoir, de Picasso à Chagall, d’Ingres à Munch), en sculpture (de Canova à Rodin, de Brancusi à Giacometti), dans le dessin dit d’humour (Topor, Ungerer), dans la bande dessinée (Winsor Mac Cay, Manara) et dans la photographie (Brassai, Cartier-Bresson, Man Ray). Puis, par le biais du récit de quelques performances récentes (celle, par exemple, de Abramovic et Ulay, lors de leur marche sur la muraille de Chine, en 1988), Jean Lancri en viendra aux enjeux de certaines pratiques contemporaines qui (à l’instar de celle d’un Robert Filliou) entendent brouiller, pour mieux les entrelacer, les limites entre l’espace de la vie et l’espace de l’art, qui cherchent à supprimer, pour mieux les entretoiser, les frontières entre l’amour de l’art et l’art de l’amour.

L’art est ce qui rend la vie plus intéressante que l’art 

Robert Filliou

(Source : France Culture)

L’article Art de l’amour, amour de l’art est apparu en premier sur Points Traits Tâches.

En allemand, « gestalten » signifie mettre en forme, donner une structure signifiante. Gestalt est un terme complexe qui n’a pas vraiment d’équivalent dans les autres langues.
La théorie de la Gestalt définit les principes de la perception. Elle est originaire d’Allemagne au début du 20ème siècle. On peut citer parmi ses fondateurs Max Wertheimer (1880-1943), Wolfgang Köhler (1887-1967) et Kurt Koffka (1886-1941), et Christian von Ehrenfels qui théorisa la forme dans l’article « Über Gestaltqualitäten »
Cette théorie pose comme principe que le tout est différent de ses composants. Ses lois soulignent la manière dont nous percevons les formes et leur attribuons un sens. Nous percevons en premier lieu des formes globales et non des détails. Notre cerveau fait une synthèse, un assemblage qui rend l’ensemble compréhensible rapidement.
Par exemple : un visage n’est pas l’addition d’un nez, d’une bouche et de deux yeux tout comme un texte n’est pas la simple addition de mots.

La relation et l’interaction des éléments les uns avec les autres forment un tout.

Les lois et principes de la Gestalt

La théorie de la Gestalt se décompose en plusieurs lois et principes.

Les lois

• Bonne forme : c’est la loi principale dont les autres découlent. Un ensemble de parties informes, comme des groupements aléatoires de points, tend à être perçu de prime abord comme une forme globale. Cette forme se veut simple, symétrique, stable.
• Bonne continuité : des points rapprochés tendent à représenter des formes que nous percevons dans une continuité, comme des prolongements les uns par rapport aux autres. (par exemple : une ligne composée de points juxtaposés)
  
• Proximité : lorsque nous regardons des formes, nous regroupons les points d’abord les plus proches les uns des autres.
• Similitude : si la distance ne permet pas de regrouper les points, nous nous attacherons ensuite à repérer les plus similaires entre eux pour percevoir une forme globale.
• Destin commun : des parties en mouvement ayant la même trajectoire sont perçues comme faisant partie de la même forme.
• Clôture : une forme fermée est plus facilement identifiée comme une figure (ou comme une forme) qu’une forme ouverte.
• Symétrie : la symétrie rassure et les éléments symétriques d’une composition sont associés en un tout cohérent et signifiant.
• Simplicité : les formes simples sont plus facilement comprises et sont plus rapidement interprétées que les formes complexes.

Les principes

La Gestalt présente quatre principes de base qui gouvernent notre perception visuelle.

Émergence

L’identification d’un objet se fait par comparaison avec des formes qui nous sont familières.

Réification

L’esprit comble le vide des éléments manquants pour reconstituer un tout.

Multistabilité

L’œil identifie un tout ou un autre tout.
Jamais les deux à la fois.

Invariance

Un objet déformé, mis en perspective, changé d’échelle ou même changé de style sera reconnaissable et identifié comme le même objet. Cette invariance peut nous tromper et donner lieu à des illusions d’optique.

La paréidolie, c’est quoi ?

Nous avons tous cherché des formes connues dans les nuages, relié des étoiles dans le ciel pour nommer des constellations, ou encore trouvé des visages dans des objets !
Qui ne s’est jamais écrié : « oh, on dirait une tête ! » en regardant 2 œufs au plat dans une assiette ?
Cette aptitude de notre cerveau à chercher des formes connues, reconnues, figuratives ou géométriques dans d’autres formes se nomme la paréidolie.

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Une tache c’est tout simplement l’application d’un produit pâteux, granuleux ou liquide sur un support. La tache peut être projetée, coulée, versée, étalée… Elle caractérise « le style pictural » opposé au « style linéaire« .
Le hasard informel obtenu nous propulse rapidement dans un imaginaire abstrait ou plus figuratif, qui nous pousse à vouloir maîtriser l’indomptable.

Plusieurs artistes on travaillé en utilisant les taches. On peut citer, entre autre, Whistler, William Turner, les Impressionnistes, et plus tard, les Pointillistes. Mais aussi dans les mouvements plus contemporains du tachisme, de l’action painting ou de l’art informel : Pollock, Sam Francis, Miro, Tapies, Joan Mitchell, Mathieu, Riopelle, Calder, Willem de Kooning …

Il existe une infinité de façon de travailler avec des taches et de les apprivoiser. Il ne tient qu’à vous de leur donner vie, de les transformer, de les recombiner, de les laisser libres…

En pratique

Faire des tache ce n’est pas sale ! C’est le choix de jouer comme un enfant  »mal élevé », de se laisser aller à mettre de la peinture partout, de se permettre de déborder, de dépasser les lignes, d’utiliser toutes les couleurs ou pas assez. Salir son support, faire un travail de cochon amène à dépasser les idées reçues du « c’est pas beau », du « c’est mal fait ». Le but de travailler avec des taches est de s’imposer d’utiliser l’aléatoire, de le laisser envahir la page.

Des formes peuvent surgir de ces taches. Elles guident notre imaginaire vers une représentation figurative.
On peut y retrouver des formes familières, les retravailler et guider le spectateur vers une image volontaire.
On peut simplement la laisser vivre sur le support et laisser le spectateur libre d’y donner le sens qui lui convient.

Au hasard de taches de café

Stefan Kuhnigk a créé les coffeemonsters.
Il utilise des taches de café qu’il transforme en toute sortes de personnages plus ou moins monstrueux, et son univers est délirant.
Il cherche des formes dans les marques de café auxquelles il rajoute des tracés, appuyant leur forme originale et leur donnant l’aspect de personnages drôles et attachants.

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Tout comme l’appétit vient en mangeant, l’inspiration vient en travaillant.

Igor Stravinsky

Un processus créatif est un processus psychologique ou psycho-sociologique, volitif (conatif) et cognitif qui aboutit à une production jugée créative, innovante ou inventive.
Il est traditionnellement décrit comme une succession d’étapes.
On peut en lister quatre principales :

Dans tout processus de création, deux types de pensées se succèdent :
– la pensée divergente-exploratoire, qui est l’aptitude à fourmiller d’idées à partir d’un sujet donné.
– la pensée convergente-intégrative, qui est l’aptitude à combiner et synthétiser différents éléments pour répondre à une problématique.
Ces deux types de pensée sont essentielles à l’expression du potentiel créatif.

Mon processus créatif

Après un temps d’analyse sur l’ensemble des projets sur lesquels j’ai travaillé tout au long de mon parcours, j’ai identifié mon propre processus. Je ne vais pas vous le détailler dans sa totalité, mais vous donner mon point de départ.

De façon générale, quand je me lance dans un projet, qu’il s’agisse d’une commande ou d’un travail personnel, la racine est toujours la même : le mot et sa définition. En effet, chaque mot à une définition bien spécifique qui me relance sur des synonymes, ou d’autres mots. De là, le fil de réflexion se dessine et je peux répondre à la problématique en combinant le sens, l’émotion et l’imaginaire qui découle de cette recherche lexicale.

Et vous ? Avez-vous identifié votre processus créatif ?

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